O violão acústico com cordas metálicas é certamente o instrumento popular por excelência nos dias de hoje.
Comumente considerado um instrumento de acompanhamento tem um vasto repertório como instrumento solo graças ao trabalho de alguns músicos pioneiros do gênero, mas sobre tudo em virtude do uso de afinações diferentes do padrão (E Si Sol Re La Mi) que se originam de uma tradição norte-americana com origens precisas na música popular negra, blues e reggae time.
O que se segue é uma breve história da evolução da música instrumental para violão acústico desde suas origens até os dias de hoje.
O violão tem uma longa tradição como instrumento solo graças à (ou por causa de) sua dificuldade em ser usado em uma orquestra por causa do volume reduzido que pode emitir.
Por esta razão, possui um repertório, mesmo que bastante vasto, que muitas vezes é marginal ou inexistente nos grandes compositores, mas que foi reavivado graças ao trabalho de alguns artistas ilustres, Andrés Segovia (1893-1987) acima de tudo, que enobreceram o repertório com adaptações de peças originalmente compostas para outros instrumentos.
Era o caso da música clássica em geral, a música de violão clássico também teve que passar por uma rápida e progressiva mudança no gosto do público contemporâneo, tornando-se uma música que não é fácil de ser apreciada por um público despreparado, sendo muitas vezes relegada à música apenas para o uso e consumo de violonistas.
Em 1833, Christian Frederick Martin um luthier alemão que imigrou para os Estados Unidos, inventou a escora X, ou seja, a travessia em forma de X de dois pares de ripas de madeira sob a mesa de som.
Isto tornou possível reforçar a fixação do instrumento, que agora era capaz de montar cordas metálicas com uma tensão muito maior e não mais feitas de tripa. Este foi o nascimento do violão acústico, também conhecido como o folk.
O violão clássico com cordas de tripa (atualmente feito de nylon) tem uma baixa tensão das cordas e um ataque sempre suave das notas um timbre bastante homogêneo e arredondado, além disso, a duração (sustentação) das notas é bastante limitada; a técnica de tocar é afetada por isso e muitas vezes fazem uso de notas pontilhadas e toques sustentados, estilos que exigem certa precisão do tocador, bem como uma boa dose de prática a ser dominada.
O violão acústico com cordas metálicas tem uma maior tensão das cordas e um ataque mais imediato das notas, ele dá um volume maior, um timbre e uma dinâmica substancialmente diferentes e nuances muito mais ricas, além disso, em certo sentido, ele “perdoa erros” no sentido de que você pode tocar mais facilmente de forma satisfatória mesmo sem um ajuste de mãos particularmente refinado.
Todas estas razões, mas sobre tudo o maior volume de som que pode ser obtido fazem dele o instrumento popular por excelência.
Como Surgiu o Blues
Em 1800, os escravos negros do sudeste dos Estados Unidos, agora mais ou menos conscientes de suas origens africanas, levaram à fruição sua própria tradição oral de canções populares.
Canções corais são as canções de trabalho, as “canções de trabalho” dos trabalhadores ou camponeses nos campos de algodão: cheias de críticas sociais e mitos contemporâneos (como os que compõem a saga em torno da construção da ferrovia de Leste para Oeste) ou conteúdo subversivo, ou simplesmente lamento, mas sempre ligado ao contexto e às misérias da vida negra.
Canções solo com o violão acústico são baladas, muitas vezes com muitos versos longos e de forma quase épica, transmitidas oralmente e muitas vezes repetidas não da mesma forma, mas modificadas e alongadas cada vez pela improvisação do intérprete único.
As espirituais, por outro lado, são canções religiosas protestantes cantadas a solo, nas quais a ancestralidade da música africana e seus ritmos são mais claros.
A tradição dos espirituais então se derrama e se torna típica do evangelho, um canto coral derivado da tradição melódica inglesa e com textos sagrados, muitas vezes verdadeiros trechos bíblicos musicais.
Os evangelhos são verdadeiros hinos sagrados, cantados nas igrejas protestantes batistas ou metodistas e muito populares entre os escravos negros, graças a um proselitismo muitas vezes encorajado primeiro pelos escravos e depois pelos latifundiários, que muitas vezes encontraram na observância religiosa dos negros uma boa maneira de evitar distúrbios.
Muitos são também os negros que se tornam pastores dessas igrejas, e muitos são os músicos de rua,
geralmente violonistas (às vezes cegos ou incapazes de trabalhar), que pedem esmolas cantando canções religiosas na rua, na saída de fábricas ou igrejas.
O minstrely é uma forma de teatro musical popular improvisado por brancos com seus rostos pintados
de preto e depois pelos próprios negros, baseado na caricatura dos escravos negros, com verdadeiras
máscaras típicas como o Sambo (o negro burro) e Jim Crow (o escravo submisso).
Este último personagem torna-se a própria metáfora da opressão sobre os negros e o protagonista de mil canções.
Paralelamente à música sagrada, mais provavelmente derivada de baladas e canções de trabalho,
desenvolveu-se outro tópico profano/popular e muitas vezes também alusivo e vulgar: o blues.
O blues tem uma estrutura harmônica fortemente formalizada, as letras das canções de blues
evocam trabalho no campo ou vida diária dura, geralmente com sotaques crus e realistas e muito freqüentemente abandono e/ou traição por parte de uma mulher.
Jazz, Ragtime e a Seleção de dedos
O primeiro gênero musical primorosamente “preto” a alcançar grande sucesso é o reggae time,
uma música essencialmente para piano tocado em tempo binário (2/4) e com uma melodia
fortemente sincopada, bastante rápida e dançável.
O mais famoso de seus expoentes é certamente Scott Joplin (1867-1917), que teve um enorme
sucesso, tanto que se pode dizer que “por volta de 1900 todos estavam tocando ragtime” e que
também foi evocado pelos compositores contemporâneos mais esclarecidos como Stravinsky e Debussy.
No sul dos Estados Unidos a cidade de Nova Orleans, no estado francófono de Louisiana
é uma encruzilhada notável de raças e culturas: escravos afro-americanos e haitianos, ingleses,
franceses, espanhóis e até italianos.
A cultura católica dos habitantes, embora mais dura no tratamento dos escravos e servos do que
a cultura protestante de outros estados é mais tolerante com sua cultura que inclui a dança
e o canto, mas também uma forte religiosidade pagã repleta de rituais tribais chamados voodoo.
Ao contrário de outras áreas aqui existe uma população mestiça crioula, gerada principalmente
pelos filhos de homens brancos e seus escravos e servos negros, cuja condição de mestiços às vezes
lhes permite estudar e se libertar da condição de servos ou trabalhadores.
Desta forma, formou-se uma “burguesia crioula”, muitas vezes duplamente guetizada porque não
estava integrada com os mestres brancos e ao mesmo tempo rejeitada por seus servos negros, mas
mais educada devido à necessidade de se emanciparem e serem capazes de fundir em um nível
superior de conhecimento teórico e formal a cultura e a música anglófona, francófona européia
e afro-americana.
Aqui mesmo entre 1800 e 1900, de acordo com uma tradição estabelecida mesmo que
provavelmente não completamente correta, nasceu o jazz, que é o resultado da fusão da tradição
musical afro-americana, especialmente blues e ragtime, com a cultura musical pró-européia da burguesia mulata, culta e orquestral.
Esta música podia ser ouvida em qualquer lugar, nas ruas e nos clubes e especialmente nas fanfarras das bandas do cortejo fúnebre.
Esta música é encarnada quase fisicamente pela população mestiça crioula de Nova Orleans. Em Nova Orleans desde 1907 existe um bairro inteiro dedicado a antros de jogo, álcool e prostituição, este bairro é chamado de Storyville.
Nas casas de namoro de Storyville, muitas vezes, grupos de músicos de jazz, que com suas
músicas tinham a dupla tarefa de entreter os clientes que esperavam e cobrir o barulho não exatamente
edificante da Maison.
Em 1917 o distrito foi evacuado, e os músicos foram forçados a encontrar empregos em outras
cidades da União, seguindo a onda mais geral de migração para as grandes fábricas do Norte,
para compensar a falta de mão-de-obra branca envolvida na Primeira Guerra Mundial.
Entre eles está também o trompetista Louis Armstrong (1901-1971) que tendo emigrado de Nova Orleans, torna-se a primeira estrela do jazz das origens.
A partir deste momento, as histórias “sociais” do blues e do jazz que até aquele momento
coexistiam e compartilhavam um ambiente e um público bastante semelhantes, tomaram dois caminhos diferentes, para nunca mais se encontrarem, exceto na contaminação de artistas individuais.
O blues, com sua harmonia simples e imediata, mais fácil de compor e interpretar, bem como mais
fácil de ser interpretado de cor graças à sua estrutura fortemente canonizada, permaneceu por trinta
anos uma forma de música popular negra, típica do ambiente rural do sul, ou pelo menos era assim que
queria ser percebida pelos ouvintes brancos e por aqueles que colecionavam e publicavam as gravações.
O jazz, por outro lado, tornou-se cada vez mais ligado às formas de música orquestral branca
cultivada, tornando-se com o swing, e graças ao rádio, a primeira forma moderna de música comercial
de massa, e depois renovando-se e sua tradição com base em novas formas de improvisação instrumental (bebop etc.).
Em 1920, nos Estados Unidos, começaram as transmissões de rádio e, como conseqüência,
nasceu o mercado de produções discográficas (de propriedade, é claro, de empresários brancos)
para o público negro, especialmente em Nova York e Chicago: os chamados recordes de raça.
Graças ao negócio, mas também à iniciativa de alguns pesquisadores e etno-músicos da área
(muitas vezes “no campo” à procura de músicos) como John Lomax e seu filho Alan, ou
John Hammond Sr, nasceram às primeiras estrelas da indústria fonográfica, como a cantora
Bessie Smith (1894-1937) e os primeiros guitarristas do blues rural, ou seja, o blues das origens
camponesas (também chamado downhome blues), como Charlie Patton (1891-1934) e
Robert Johnson (1911-1938); uma música que muitas vezes, no entanto, também serviu para dar um toque aos gostos exóticos da burguesia branca urbana.
Mais uma vez, muitos desses violonistas/cantores são cegos, e muitas vezes, de fato, têm o “cego”
cego apelativo colocado antes de seu nome: Blind Willie Johnson (1897-1945), Blind Lemon Jefferson (1893-1929), Blind Blake (1893ca. -1933), Blind Willie McTell (1901-1959).
O Reggae time influenciou muito o estilo dos guitarristas, e eles criaram um estilo de Reggae
aplicado ao violão acústico que é chamado de finger style.
Neste estilo, o polegar da mão direita desempenha a função que era a mão esquerda
para o pianista enquanto a melodia é executada pelos outros dedos.
Esta é um resumo da história por que o violão é conhecido como um instrumento acústico,
que nos inspira hoje a realizar o sonho de tocar violão.
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